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NOTICE / AVISO

 


As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.

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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.



Wednesday, April 24, 2024

Legends of Jazz con Ramsey Lewis - The Piano Masters

 


Legends of Jazz with Ramsey Lewis - The Piano Masters (with Dave Brubeck & Dr. Billy Taylor. Season One, 2006 ep. 06)

Legends of Jazz with Ramsey Lewis - The Piano Masters (with Dave Brubeck & Dr. Billy Taylor. Season One, 2006 ep. 06)
Art Tatum, Teddy Wilson, Oscar Peterson, Bud Powell, Count Basie and Duke Ellington are just some of the piano legends talked about by two living legends themselves - Dave Brubeck and Dr. Billy Taylor. The reputations of these two great legends are widely known and respected. Here they show us why. These two 85-year-old masters put on an incredible show in both solo and duet numbers, and offer fascinating reminiscences.

Setlist:
SomeDay My Prince Will Come
All the Things You Are
Take the 'A' Train
Jam 



John La Porta • The Jazz Message Of John La Porta

 



Back in the 50’s, John La Porta was the rare bird among the alto saxophonists. He played like no one else, and these 1956 recordings are a poignant signature of his stimulating profile. La Porta’s sound and phrasing were extremely distinct. His playing was emotionally striking, with a hard, plunging attack that underlines the solidity of his style, spiced with an occasional nod to Charlie Parker but without being overwhelmingly influenced by Bird.

La Porta builds up intriguing solos, cohesive and well-shaped from individual ideas, as is evidenced in charging, up-tempo performances like Budo and Volcano. He also stands out in the introspectively impressive Yesterdays, which is almost entirely his showcase. The other horn on Jazz Message is trumpeter Donald Byrd. He is in flowing form, playing with a feeling for wholeness in his choruses, as he demonstrates in Volcano and La Porta—Thority.

In the rhythm section, Kenny Clarke’s vital presence is constantly felt. His ever swinging drumming, together with the dependable and melodic voice of Wendell Marshall on bass, goes along effortlessly and effectively, pursuing the feeling and the changes of the tunes. They both take creative advantage of their solo space on Message and Volcano. Pianists Horace Silver and Ronnie Ball, either merging with the rhythm section or in their solos, contribute greatly to the success of these performances. In Budo and Message, Horace swings with his roaring depth of pulsation, and in I Married an Angel, he also shows how smooth and deep he can be when playing a ballad.

Throughout the second date, Ronnie is shown as a subtle and imaginative pianist, with a constant and throbbing interest in ideas —I Hear a Rhapsody and Play, Fiddle, Play are both good examples. The entire album is an excellent endeavor thanks to the cohesive work of the musicians involved in the collective quintet.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/john-la-porta-albums/54793-the-jazz-message-of-john-la-porta.html



American jazz saxophonist (alto, tenor and baritone), clarinetist and composer, arranger and aducator
Born 1 April 1920 in Philadelphia, Pennsylvania, USA
Died 12 May 2004 in Sarasota, Florida, USA

He was a founding member of the Jazz Composers Workshop. He played with Bob Chester, Charlie Parker, Lennie Tristano, Woody Herman, Duke Ellington, Neal Hefti, Bill Harris, Charles Mingus, Stan Getz, Bill Evans, Billy Eckstine and many others. In the 1980 he was a featured soloist with Herb Pomeroy's big band and retired in the late 1990s. He is also known as an author of several books.
https://www.discogs.com/artist/453850-John-Laporta

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En los años 50, John La Porta era una rareza entre los saxofonistas altos. Tocaba como nadie y estas grabaciones de 1956 son una firma conmovedora de su estimulante perfil. El sonido y el fraseo de La Porta eran extremadamente distintos. Su forma de tocar fue emocionalmente impactante, con un ataque duro y profundo que subraya la solidez de su estilo, aderezado con un guiño ocasional a Charlie Parker pero sin estar abrumadoramente influenciado por Bird.

La Porta construye solos intrigantes, cohesivos y bien formados a partir de ideas individuales, como se evidencia en actuaciones cargadas y aceleradas como Budo y Volcano. También destaca en la impresionante e introspectiva Yesterdays, que es casi en su totalidad su escaparate. El otro trompeta de Jazz Message es el trompetista Donald Byrd. Está en una forma fluida, tocando con un sentimiento de plenitud en sus coros, como lo demuestra en Volcano y La Porta—Thority.

En la sección rítmica, la presencia vital de Kenny Clarke se siente constantemente. Su forma de tocar la batería, siempre oscilante, junto con la voz confiable y melódica de Wendell Marshall en el bajo, acompañan sin esfuerzo y de manera efectiva, persiguiendo el sentimiento y los cambios de las melodías. Ambos aprovechan creativamente su espacio en solitario en Message y Volcano. Los pianistas Horace Silver y Ronnie Ball, ya sea fusionándose con la sección rítmica o en sus solos, contribuyen en gran medida al éxito de estas actuaciones. En Budo y Message, Horace se balancea con su rugiente profundidad de pulsación, y en I Married an Angel, también muestra cuán suave y profundo puede ser cuando toca una balada.

A lo largo de la segunda cita, Ronnie se muestra como un pianista sutil e imaginativo, con un interés constante y palpitante por las ideas (I Hear a Rhapsody y Play, Fiddle, Play son buenos ejemplos). Todo el álbum es un excelente esfuerzo gracias al trabajo cohesivo de los músicos involucrados en el quinteto colectivo.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/john-la-porta-albums/54793-the-jazz-message-of-john-la-porta.html



Saxofonista de jazz estadounidense (alto, tenor y barítono), clarinetista y compositor, arreglista y aductor
Nació el 1 de abril de 1920 en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos
Fallecido el 12 de mayo de 2004 en Sarasota, Florida, EE.UU.

Fue miembro fundador del Jazz Composers Workshop. Tocó con Bob Chester, Charlie Parker, Lennie Tristano, Woody Herman, Duke Ellington, Neal Hefti, Bill Harris, Charles Mingus, Stan Getz, Bill Evans, Billy Eckstine y muchos otros. En la década de 1980 fue un solista destacado con la big band de Herb Pomeroy y se retiró a finales de la década de 1990. También es conocido como autor de varios libros.
https://www.discogs.com/artist/453850-John-Laporta


www.freshsoundrecords.com ...


Jo Jones • Our Man, Papa Jo!

 


Biography by Scott Yanow
Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two musicians who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Basie, Freddie Green, and Walter Page, he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-1946 when he was in the military) until 1948, and in later years, he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the '50s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum, and Duke Ellington, among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. He led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-1960), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970), and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones, and thought of as a wise if brutally frank elder statesman.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography

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Biografía de Scott Yanow
Jo Jones cambió el papel de cronometraje de la batería del bombo al platillo charles, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos músicos que aprendieron de su interpretación ligera pero contundente, mientras Jones hacía girar a la Count Basie Orchestra con los acentos y sonidos adecuados. Después de crecer en Alabama, Jones trabajó como baterista y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años 20. Después de un período con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se mudó a Kansas City en 1933 y se unió a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Basie, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-1946 cuando estaba en el ejército) hasta 1948, y en años posteriores participó en muchas reuniones con ex alumnos de Basie. Estuvo en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en los años 50 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 con Basie y el Sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-1960), fecha de Jazz Odyssey en la que rememoró y tocó solos de batería (1970), y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En años posteriores fue conocido como "Papá" Jo Jones, y se le consideraba un anciano estadista sabio aunque brutalmente franco.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography


Keith Jarrett • Treasure Island

 



Review by Thom Jurek
Treasure Island, released in early 1974, was the second of two albums pianist and composer Keith Jarrett recorded for Impulse Records -- the first was Fort Yawuh, issued a year earlier. Cut at Generation Sound Studios in New York City, the band consisted of Jarrett on piano and soprano saxophone, Dewey Redman on tenor, bassist Charlie Haden, and drummer Paul Motian. And though he would more than likely disagree, this was the best band he ever led. In addition to the quartet, guitarist Sam Brown contributes to a pair of cuts here as Guilherme Franco and Danny Johnson add percussion to the mix. The set kicks off with the beautiful "The Rich (And the Poor)," a folkish melody of the type Jarrett was exploring on ECM at the time, with some stellar African undertones -- it's easy to hear the majesty of Abdullah Ibrahim's South African musical sphere in this mix, and earthy deep, sparer work by Redman and Haden. The brief "Blue Streak," by contrast, is full-on and busy with melody and interplay between Redman and Motian. More speculative group improvisation occurs on "Fullsuvollivus," which travels decidedly outside, and the title cut with Sam Jones on electric guitar in place of Redman is a lithe, elegant, midtempo ballad that showcases Jarrett's truly magnificent melodic work in front of this enlarged rhythm section. The hardest groover on this set is their killer "Le Mistral," with some gorgeous interplay between Haden and Motian, and some extended solo work by Redman. "Angles (Without Edges)" is a dense construction that involves some taut counterpoint between Redman and Jarrett, even as the rhythm section tries to push them both inside toward one another -- Redman slips out of the frame a few times to excellent effect. Haden's solo is also particularly noteworthy. Brown returns on the closer "Sister Fortune," a track with almost rockist overtones. Jarrett had perhaps heard some records in his day, particularly from the Atlantic catalog, and he put that spin on this melody, which incorporates groove, repetitive and circular rhythm, and a songlike melodic structure with minimal improvisation -- though his own fills are quite stunning and deep in the pulse pocket. This is a terrific sendoff to a very fertile, creative period and begs the question as to what else may have happened had this band been able to explore their unique, fully communal sound together for more than a pair of albums.
https://www.allmusic.com/album/treasure-island-mw0000196854

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Reseña de Thom Jurek
Treasure Island, lanzado a principios de 1974, fue el segundo de los dos álbumes que el pianista y compositor Keith Jarrett grabó para Impulse Records; el primero fue Fort Yawuh, publicado un año antes. Formada en Generation Sound Studios en la ciudad de Nueva York, la banda estaba formada por Jarrett al piano y saxofón soprano, Dewey Redman al tenor, el bajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. Y aunque probablemente no estaría de acuerdo, esta fue la mejor banda que jamás haya liderado. Además del cuarteto, el guitarrista Sam Brown contribuye con un par de cortes aquí mientras Guilherme Franco y Danny Johnson agregan percusión a la mezcla. El set comienza con la hermosa" The Rich (And the Poor)", una melodía folklórica del tipo que Jarrett estaba explorando en ECM en ese momento, con algunos matices africanos estelares -- es fácil escuchar la majestuosidad de la esfera musical sudafricana de Abdullah Ibrahim en esta mezcla, y el trabajo terroso, profundo y más suave de Redman y Haden. La breve "Racha Azul", por el contrario, está llena y ocupada con la melodía y la interacción entre Redman y Motian. La improvisación grupal más especulativa ocurre en "Fullsuvollivus", que viaja decididamente al exterior, y el corte del título con Sam Jones a la guitarra eléctrica en lugar de Redman es una balada ágil, elegante y de medio tiempo que muestra el trabajo melódico verdaderamente magnífico de Jarrett frente a esta sección rítmica ampliada. El groover más difícil de este set es su asesino "Le Mistral", con una magnífica interacción entre Haden y Motian, y un extenso trabajo en solitario de Redman. "Angles( Without Edges)" es una construcción densa que implica un contrapunto tenso entre Redman y Jarrett, incluso cuando la sección rítmica intenta empujarlos a ambos hacia adentro el uno hacia el otro Red Redman se sale del encuadre varias veces con un efecto excelente. El solo de Haden también es particularmente digno de mención. Brown regresa en el cierre "Sister Fortune", un tema con tintes casi rockeros. Jarrett quizás había escuchado algunos discos en su época, particularmente del catálogo Atlantic, y le dio ese giro a esta melodía, que incorpora groove, ritmo repetitivo y circular, y una estructura melódica parecida a una canción con una mínima improvisación, aunque sus propios rellenos son bastante impresionantes y profundos en el bolsillo del pulso. Esta es una excelente despedida a un período creativo muy fértil y plantea la pregunta de qué más podría haber sucedido si esta banda hubiera podido explorar su sonido único y totalmente comunitario juntos durante más de un par de álbumes.
https://www.allmusic.com/album/treasure-island-mw0000196854


www.keithjarrett.org ...

Scott Hamilton • Danish Ballads... & More

 


Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/